Artista visual y cineasta. Su obra es resultado de investigaciones de campo de largo aliento en territorios con múltiples capas; busca indagar el efecto que producen ciertos fenómenos naturales y climáticos en la vida de quienes habitan esos territorios. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha tomado cursos de cine con cineastas como Víctor Gaviria. En México, sus exposiciones individuales recientes son Río de Niebla, Río de Adobe, Río de Sangre (Ex Teresa Arte Actual, 2023-24) y Antes del Presente (Casa del Lago, 2018). Ha participado en muestras colectivas como La Oficina del Agua (Bienal Sur, Argentina, 2021), Normal Exceptions (Museo Jumex, Ciudad de México, 2021), Parasitage, Ruidos Negros (Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 2021), Years of Solitude (II Bienal de Arquitectura de Orleans, Francia, 2019), entre otras. Ha recibido apoyos de la Fundación Jumex, el Programa de Fomento al Cine Mexicano, el Programa BBVA-MACG, y la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2016, 2010 y 2007) entre otros. Su primer largometraje POBO TZU – Noche Blanca (2021) recibió los premios Kaleidoscope del DOC NYC y el Gran Premio Zanate, entre otros. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Artista, su obra se nutre de las consecuencias de los imaginarios históricos, personales y ficciones que afectan a los cuerpos, en relación al propio cuerpo de la pintura y sus composiciones materiales. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y la maestría en Artes visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Su trabajo se ha expuesto en América Latina, Asia, Estados Unidos, Europa y México. Entres sus exposiciones individuales recientes se encuentran El fuego que no produce (Museo Cabañas, Guadalajara, 2023-24), Un lugar para sí misma, (Galería Karen Huber, Ciudad de México, 2021), Sudor frío (Proxyco Gallery, Nueva York, 2021), To cool the blue (Taka Ishii Film & Photography, Tokio, 2020). Algunas de sus exposiciones colectivas recientes son Perhaps the truth (Ballroom Marfa, 2023), Murales para un cubo blanco (Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México 2020), Princesses des villes (Palais de Tokyo, París, 2019), Tú de mí, yo de ti (Museo de la Ciudad de México, 2019), entre otras. Recibió en tres ocasiones la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), la Apexart Fellowship (2019), y el Premio Nacional de Arte Joven (2013). Es profesora en la Universidad de Monterrey.

En su obra existe una negociación constante entre el pasado, el presente y el futuro, como una forma de cuestionar su experiencia de desarraigo e integración étnica. Temas como la historia del proyecto racial del mestizaje, la reinvención étnica en los procesos políticos de los movimientos originarios, la tradición oral p’urhépecha, la memoria y el lenguaje materno como potencial político, atraviesan las reflexiones de su trabajo. En 2019 formó parte del Taller de Escritura Etnográfica de la Escuela Nacional de Estudios Superiores (ENES, Morelia) y del grupo de estudio Inconclusx, programa de investigación en arte contemporáneo (Aparato de Arte, Guanajuato). Sus exposiciones colectivas recientes son Conocer el mundo con la boca sin que te piquen las espinas (Museo Casa Diego Rivera, Guanajuato, 2023), Verano del Amor (Galería Campeche, Ciudad de México, 2023), Caminamos sobre la misma pira (Espacio Cabeza, Guadalajara, 2023), Arte de los pueblos de México. Disrupciones Indígenas, (Museo Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, 2022). Recibió el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, 2023) y el premio de adquisición en el XLI Encuentro Nacional de Arte Joven (2021).

Artista visual y gestor cultural. Trabaja con collage, instalación y performance, en torno al contexto vivido en la ciudad de León. Asimismo, escribe sobre los estudios generados a partir de la indumentaria en el barrio y las comunidades rurales en Tlaxcala, Puebla y Guanajuato. Estudió la licenciatura en Cultura y Arte de la Universidad de Guanajuato. Colabora con el colectivo Nawi Xochitelpoch (San Miguel Canoa, Puebla) que estudia las tradiciones náhuatl y el carnaval. Su obra ha sido expuesta en Estados Unidos, Grecia, Inglaterra y México. Entre sus exposiciones individuales destacan El Cuarto de Aztlán (Museo de Arte e Historia de Guanajuato, 2023), Gramolapirata (ArtSpace, Ciudad de México, 2023), y La Máscara de la Maringuía (Galería Jesús Gallardo del Instituto Cultural de León, 2021). De forma colectiva, participó en la exposición Rostro (Charlie James, Los Ángeles, 2022). En 2022 fue galardonado con el premio Activisme Creative por la fundación Cultures of Resistance.

Artista. Investiga cómo se construye, se transforma, se piensa y se percibe el espacio natural y fabricado. Utiliza los materiales como parte medular del contenido y en la construcción de instalaciones y estructuras transitables, a través de contrastes o dicotomías que procuran enrarecer la familiaridad de estos. Su práctica, en muchos casos, genera un umbral o límite entre elementos diversos que pueden ser disímiles o incluso irreconciliables. Estas decisiones son susceptibles de formar hábitats, ejercicios de percepción y movimiento, y hasta nuevas vidas protozoides. Fue miembro fundador del espacio alternativo Temístocles 44 en los 90 en la Ciudad de México. Entre sus principales exposiciones individuales se encuentra: dia cronía (Casa Ortega, Ciudad de México, 2023), Gama térmica (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, 2022 / Museo JUMEX, Ciudad de México, 2021-22), Piedra principio (Fundación RAC, Pontevedra, España, 2021), Clave intermedia (Galería Kurimanzutto, Ciudad de México, 2019), Azul sólido (Fundación CAB, Burgos, España, 2016), Superficies límite (Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 2011) y Silvestre (Sala de Arte Público Siqueiros, Ciudad de México, 2002).

Es artista y colabora como escritor, editor y educador para diferentes iniciativas. Su obra se compone de dibujos, textos, esculturas y actos en vivo. En sus proyectos, posiciona la lectura como una tarea autoral que no se limita a una actividad receptiva. También se vincula a profesiones paralelas a la literatura —como la edición, la traducción y la ilustración—, para crear condiciones que permitan un entendimiento más complejo de la cultura escrita. Estudió una maestría en el Institute Art Gender Nature en Basilea, Suiza, y formó parte del Programa Educativo SOMA. Ha participado en exposiciones colectivas en México en el Museo Cabañas (2022) y en el Museo de Arte Carrillo Gil (2021). Su trabajo se ha expuesto internacionalmente en Castello di Rivoli (Turín, 2023), La Capella (Barcelona, 2022) y el Denver Art Museum (2021). Ha publicado los libros Fábula encinta (Gato Negro, 2021), un ensayo alrededor de la metáfora del embarazo masculino y su instrumentalización en el quehacer literario, y Nonverbal (Gato Negro, 2019), su primer libro de dibujos.

Artista interdisciplinaria, trabaja con arte sonoro, música experimental, gráfica, cerámica, video e instalación. Santana utiliza el error, la repetición, la disrupción y la acumulación como herramientas creativas, al tiempo que se interesa particularmente por el efecto físico y psicológico que tiene el sonido sobre las personas. Además, suele trabajar con la palabra escrita y generalmente sus proyectos se publican en formato impreso. Utiliza el pseudónimo Ana Fauna para producciones musicales y actos en vivo. Fue artista sonora residente en Bemis Center for Contemporary Arts (Nebraska, 2022). Su trabajo ha sido expuesto en espacios como el Ex Teresa Arte Actual, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Museo de Arte de Zapopan, y el Museo del Chopo, entre otros. Ha sido beneficiaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA); fue acreedora del reconocimiento Creadores de Paz por el proyecto Resiliencia. Es fundadora y directora de O.Y.E. Oficio y Experimentación, un espacio para la difusión de artes experimentales en Zapopan, Jalisco.

Artista visual, trabaja principalmente con dibujo y escultura. Su obra parte del interés por temas sobre el paisaje y la depredación del desierto mexicano. Formó parte del Programa educativo de SOMA, del Programa de Arte Estrategias y Procesos de Producción en el Arte Contemporáneo, y realizó la licenciatura de Artes Plásticas en la Universidad de Sonora. Cuenta con siete exposiciones individuales: Bestial (2022), Cascabel (2019), Estío (2018), Paisaje negro (2017), Memoria devastada (2017), Detritos. Vestigios de la arena (2016) y El cártel de los pesados (2013). De forma colectiva ha expuesto en M 74 (Espacio escultórico, CDMX, 2018), Con aire popular (Casa de México, Madrid, 2020), Tierra ignota (Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, 2020), Separated by Borders (Pima Louis Carlos Bernal Gallery, Tucson, 2019), entre otras. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Artista visual afiliado a prácticas comunitarias y pedagógicas. Es cofundador de la iniciativa vecinal Lugar Común (2011 – actualidad) en Oaxaca, un grupo vecinal para indagar en las posibles adaptaciones entre las formas de autoorganización comunitaria y la participación ciudadana en la vida urbana. Lugar Común fue parte de la red internacional Arts Collaboratory (2016-18). Ruíz Martínez participó en el programa Learning Contexts del Asia Art Archive AAA en Hong Kong (2023) y en la residencia Notes on Education de documenta 15 (Kassel, 2022). Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2014 y 2018) con proyectos que relacionan lo rural y lo urbano en dimensiones sociales, climáticas y comunitarias. Dirigió el Departamento de Educación y Programas Públicos del Museo Tamayo de 2019 a 2023.

Artista visual, curadora y docente. Es maestra en Artes por la Universidad de Guanajuato. Su última exposición, Lupercalia Indómita (Guadalajara90210, Ciudad de México, 2023), puso en tensión las formas en las que se materializan los acuerdos sociales frente a ciertas actitudes que por naturaleza son indomables. Fue coordinadora del espacio independiente Obra Negra (2018-20) y fundadora de su Programa de Producción Artística (PROA), dedicados a la preservación y divulgación de la práctica artística contemporánea del bajío. Su práctica artística ha sido beneficiada con el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, 2017) y el programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2015). Como coordinadora de PROA, recibió diversos apoyos para espacios independientes, otorgados por instituciones como la Secretaría de Cultura, el Instituto Estatal de la Cultura de Guanajuato (IECG) y el Patronato de Arte Contemporáneo (PAC). Entre 2013 y 2018, formó parte del cuerpo docente del Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Guanajuato. Actualmente forma parte del colectivo Dolores Hidalgo.

Práctica la plástica social (artes visuales, sonoras, corporales y pedagógicas). Su trabajo se centra en la transformación de nuestra idea de realidad a través de tres ejes: desautomatizar el sentido común, desenajenar los vínculos humanos y propiciar ejercicios de autonomía. Piensa el arte como un territorio donde es posible desarrollar procesos impensables en otros campos de conocimiento. Es egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es autor del Manual para maestros que lloran por las noches y numerosos artículos. Ha impartido talleres y participado en proyectos de plástica social en Argentina, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, Ecuador, Estados Unidos, Francia, Polonia y Venezuela.

A través de pinturas, dibujos e instalaciones, su trabajo parte de revisiones históricas para analizar cómo se producen y establecen las narrativas del pasado. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y formó parte de la generación 2020 del Programa Educativo SOMA. Su trabajo se ha presentado de manera individual en espacios y museos de México como Proyectos Monclova (2023), Museo Jumex (2022), guadalajara90210 (2022); y de manera colectiva en la Sala de Arte Público Siqueiros (2023), 22a Bienal de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil, (São Paulo, 2023), Museo de Arte SCAD (Savannah, 2021), y Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2020), entre otros. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores (2021 y 2018) del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). 

Artista visual interdisciplinaria. Su trabajo explora el diálogo entre artes visuales, música e historia material, usando la imagen y el sonido como herramientas de investigación, producción y colaboración. Es egresada de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda” también ha formado parte de residencias artísticas en Emiratos Árabes Unidos, Estados Unidos, Francia y México. Su obra se ha expuesto a nivel nacional en espacios como el Centro Cultural Tlatelolco, ESPAC, Ex Teresa Arte Actual, Laboratorio Arte Alameda, Museo Amparo y el Museo de Arte Moderno. A nivel internacional ha participado en como Armory Center for the Arts (Pasadena), Biobat Artspace, Brooklyn Army Terminal (Nueva York), Meinblau (Berlín), Palazzo Grassi (Venecia), y Smith Gallery (Carolina del Norte). Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo de Cultura para las Artes (FONCA, 2018, 2016 y 2011), recibió el primer premio en el Concurso Internacional de Video y Arte Electrónico Transitio (2013), y ha sido beneficiaria del Programa de Investigación y Producción en Arte y Medios (2012).

Su obra se desdobla a partir del cuerpo y la intimidad. Utiliza el ritual como un medio para entonar la existencia y desmenuzar los vestigios de lo cotidiano, la maternidad, el duelo y la vulnerabilidad. Se graduó del Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM). Cofundó La Orgía y La Compañía, grupos independientes enfocados en la producción, estudio y difusión del arte contemporáneo desde Monterrey. En dicha ciudad, formó parte de Lugar Común durante 2018, donde fue coordinadora de procesos formativos para AIKIDO. Su trabajo ha sido expuesto en Barcelona, Düsseldorf y Saint Étienne, así como en múltiples espacios culturales y expositivos en Ciudad de México y Monterrey, como la Casa de la Cultura de Nuevo León, Centro de las Artes de Nuevo León, Centro Cultural Plaza Fátima, Colegio Civil Centro Cultural Universitario, El Cuarto de Máquinas, Galería Karen Huber, guadalajara90210, Museo El Centenario de Monterrey, Museo MARCO, Salón ACME y YNGSPC. Ha recibido apoyo y reconocimiento de diversas instituciones públicas y privadas, como Las Artes Monterrey, la Bienal de Arte Joven, la Reseña de Nuevo León de CONARTE, KADIST y el Patronato de Arte Contemporáneo (PAC).

Su obra emergió en los contextos de la experimentación, teorización y politización del arte en los 70 y del despegue del feminismo en los círculos literarios y artísticos mexicanos. Se ha enfocado a interrogar a la pintura como campo de expresión afectiva, reflexión íntima y construcción formal. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y fue integrante del grupo Março. Entre sus muestras individuales y colectivas más relevantes destacan: Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 (Hammer Museum, Los Ángeles, 2017 / Brooklyn Museum, Nueva York, 2018 / Pinacoteca do Estado de São Paulo, 2018), Del verbo estar (Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, 2017), Intimidad del jardín. Pinturas 1985-2016 (Museo Jardín Borda, Cuernavaca, 2016), y Mi versión de los hechos (Museo Universitario de Ciencias y Artes, Ciudad de México, 2004). Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en instituciones como el Museum of Modern Art (MoMA) y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), cuyo Centro de Documentación Arkheia ha integrado el Fondo Magali Lara/Elso.

A partir de medios como la pintura, el dibujo, la instalación y el performance, plasma su interés en el periodo barroco novohispano al adaptar referencias sagradas y profanas para configurar nuevas narrativas. Utilizando el sincretismo para la construcción de un vocabulario visual, su obra evoca un sentimiento teatral a través de composiciones que desdibujan los límites entre memoria y ficción. Es egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Entre sus exposiciones individuales más recientes figuran Carmen (High Art, París, 2023), Dressing Chamber (Gaga, Art Basel Statements, 2023), La Misión (Gaga, Los Ángeles, 2022) y La Compañía (Gaga, Ciudad de México, 2020). Sus exposiciones colectivas más recientes son Ugly Painting (Nahmad Contemporary, Nueva York, 2023), Creo en Dios, sólo que lo deletreo naturaleza (Lodos, 2021), Sans Filet (Aoyama Meguro, Tokio, 2020), y El mundo no es como nosotros, fue impuesto, intentamos transformarlo (Britta Rettberg, Múnich, 2020). Junto con Wendy Cabrera Rubio cocuró Capital Capital (Galería Libertad, 2018) y Campamento para Jóvenes Naturalistas (Museo de la Ciudad de Querétaro, 2019). En 2019 recibió la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Artista visual, su trabajo aborda la relación entre los procesos de construcción de memoria histórica y política, así como la distorsión discursiva e iconográfica del pensamiento de izquierda en México. Es egresado de la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha expuesto individual y colectivamente en instituciones de México como El preludio de la ruptura (Centro Cultural Border), El ejercicio de las buenas voluntades (Nixon Gallery), Parasitage. Ruidos negros (Museo de Arte Carrillo Gil), Pintura reactiva (Museo de Arte Carrillo Gil), TROMBA (Museo Universitario Arte Contemporáneo – MUAC), y Anverso (Museo Universitario de Ciencias y Arte – MUCA Roma), La importancia de ser autosuficiente (Proyectos Monclova), y México bárbaro (Sala de Arte Público Siqueiros), entre otras. Y de forma internacional en No sé qué es una casa (La Fugitiva, La Habana), TEMPS FUGAÇ / TEMPS APRECARI (VABD, Barcelona), Juannio 2018 (Guatemala). También fue parte de la XVI Bienal de Lyon (2022-23) y en la XIV Bienal de la Habana (2021-22). Ha sido beneficiario del Programa BBVA Bancomer-MACG, la beca Jóvenes Creadores (2020, 2011 y 2015), del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PEDCA, 2018) y la Beca Adidas-Border (2016). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.

Artista visual. Su práctica se centra en la difusión y recuperación de la vestimenta tradicional del Istmo de Tehuantepec, a través del entorno que habita y el interés por ciertos fenómenos como la migración, la geografía y la identidad, los cuales parten de intereses personales y su traslado al intercambio de conocimiento desde la comunidad. Es egresada de la escuela de Bellas Artes de Oaxaca y de las Clínicas de Especialización en Arte Contemporáneo (CEACO); parte de su formación la recibió en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO). Ha participado en exposiciones en Ecuador, España, Estados Unidos y México, entre otros países. Entre sus exposiciones recientes destacan Historias indígenas (Museu de Arte de São Paulo, 2023), Reflejos del Istmo (Museo de Filatelia de Oaxaca, 2023), Los huecos del agua (National Museum Of Mexican Art, Chicago, 2023 / Museo Amparo, Puebla, 2023 / Museo del Chopo, Ciudad de México, 2019), Riaba Riasa (Proyecto Invitado, Salón ACME 10, Ciudad de México, 2023), Disrupciones indígenas. Arte de los pueblos de México (Museo del Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México, 2022), y New codex (Social and Public Art Resource Center, Los Ángeles, 2014).

Artista. Su práctica está vinculada a procesos de participación social relacionados con la educación y los saberes colectivos. Trabaja con distintas metodologías de producción y organización del conocimiento, especialmente con el tequio, una forma de trabajo colectivo en las comunidades indígenas de México, principalmente en Oaxaca. Estudió en el seminario de Medios Múltiples de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y en la residencia Jan van Eyck Academie en Maastricht, Países Bajos. Ha participado en exposiciones colectivas en el Kunsthalle Bern (Suiza), el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (Ciudad de México), el Museo Tamayo (Ciudad de México), y el VanAbbe Museum (Países Bajos). En 2022 obtuvo el Prince Claus Mentorship Award, otorgado por el Prince Claus Fund & Goethe-Institut. Ese mismo año fue seleccionado para representar a México en la 23ª Exposición Internacional de la Trienal de Milán, donde obtuvo el 2º lugar como mejor pabellón. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.

Artista, gestora y docente. Su búsqueda como artista y las vicisitudes de su vida privada conviven plenamente. Aborda diferentes planos de la violencia y actualmente lo focaliza en la violencia de envejecer. Entre sus últimas exposiciones individuales se encuentran (Te busco en otro nombre). Bitácora guatemalteca, 1987/2022, Premio de Arte Julius Baer a las Artistas Latinoamericanas (Museo de Arte Moderno de Bogotá, 2023), Escuela de envejecer, (Parque de la Memoria, Buenos Aires, 2022), Escuela de envejecer, dentro del programa Ágora: un anteproyecto para la utopía (Museo Jumex, Ciudad de México, 2018), y Un lugar para vivir cuando seamos viejos (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2015). Ha participado en la 12° Bienal del Mercosur (2020), 13° Bienal de la Habana (2019), 56ª Bienal de Venecia (2015), y 29ª Bienal de São Paulo (2010), entre otras. Desde hace varios años organiza espacios independientes, como la primera feria para espacios autogestionados Periférica y el Espacio Forest. Es docente en SOMA y dirige los proyectos Imán y La Verdi (Ciudad de México). Actualmente reside en México.

Artista, gestora y curadora. Su trabajo parte del interés por la narrativa histórica oficial y los contrarrelatos que ofrecen microhistorias específicas; sus obras se articulan a través del uso conjunto de imágenes, textos y lecturas. Desde el cruce entre narrativa, ensayo y poesía, ha escrito para sus performances y los de otros artistas, así como para revistas, exposiciones, catálogos y libros colectivos. Codirige —con Oscar Formacio— el espacio independiente ERROR en Puebla y CDMX, y desde 2018 coordina el programa de estudios independientes IMÁN junto a Ana Gallardo. Su obra ha sido expuesta en museos, festivales y galerías de Albania, Bélgica, China, Colombia, España, Hong Kong, Italia, Francia, Hungría, México, Serbia y Polonia. Desde 2016 ha colaborado con el Museo Amparo (Puebla) en la coordinación académica y curaduría de diversos programas públicos y proyectos. Ha sido tutora, curadora y consultora de diversas instituciones públicas y privadas, espacios independientes y programas de formación en México, Italia y otros países. Actualmente es profesora de la licenciatura en Arte Contemporáneo de la Universidad Iberoamericana.   

Artista visual. A través de la fotografía, el video, la escultura y la escritura, su trabajo investiga cómo las economías extractivas y criminales transforman materialmente un territorio mientras indaga en los vínculos históricos entre catástrofe ambiental, crimen organizado y desaparición forzada. Su trabajo ha sido expuesto en espacios nacionales, como Casa del Lago, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Museo de Arte Moderno y Museo Jumex; e internacionales, como Ashkal Alwan (Beirut), Ballroom Marfa (Texas), Frac Centre-Val de Loire (Orleans), Museo Artium (Vitoria), Museo de Arte de São Paulo (MASP), , Storefront for Art & Architecture (Nueva York), Spazio Veda (Florencia), The Wren Library (Reino Unido) y Whitechapel Gallery (Reino Unido), entre otros. Realizó estancias de trabajo en PAOS (Guadalajara) y Casa Gallina-InSite. Ha sido becario de la Open Society Foundation (2023), la Digital Borderlands-Mellon Foundation (2021-23), y Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2011 y 2019). Desde 2022 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México. Es cofundador del Centro de Investigaciones del Desierto de Altar. Vive y trabaja en Altar, Sonora.

Artista multidisciplinaria, desarrolla su trabajo entre las artes escénicas y visuales. Explora temas como el registro del movimiento y del paso del tiempo, y la presencia escénica del cuerpo y su proyección en la arquitectura. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y una maestría en DasArts, Ámsterdam. Su Laboratorio de dibujo y movimiento, que ha impartido en diferentes universidades y centros de arte de México y Estados Unidos, es parte fundamental de su práctica. En México, su obra se ha presentado en Arte Abierto, Casa Wabi, Hospicio Cabañas, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Jumex, Museo Tamayo, Museo Universitario del Chopo, Laboratorio Arte Alameda, Sala de Arte Público Siqueiros y Teatro de la Danza. Asimismo, ha colaborado con espacios internacionales como Assembly (Nueva York), Center for the Arts and Communication (Art Basel, Miami), Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (SMAK, Ámsterdam), The Cedar Cultural Center (Mineápolis) y YYZ (Toronto), entre otros. Fue seleccionada como coreógrafa por la Fundación Mcknight (2019). Fue parte del equipo docente en SOMA (2016-19). Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.

Su práctica artística se ha enfocado en revisar e integrar a la actualidad cosmovisiones, estudios y prácticas ancestrales. A partir de la relectura de aspectos ocultos o enigmáticos, busca entretejer un puente con conocimientos del pasado por medio de herramientas de exploración como la astrología, la numerología, la quiromancia y la grafología. Carrillo estudió Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara. Ha expuesto individual y colectivamente en espacios de México como el Museo Anahuacalli, Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, Museo de Arte de Zapopan, Museo Cabañas, Museo de las Artes, Museo de la Ciudad, Museo de Pintores en Oaxaca, Museo Raúl Anguiano y Museo Taller Clemente Orozco. De forma internacional, en ANRA Künstlerhaus (Lottstetten), Art Movement (Los Ángeles), Bass & Baum Gallery (Londres), Bass Museum of Art (Miami), Bessarabska Square (Kiev), Cuadro22 (Chur), Giorgio Cini Foundation (Venecia), Museum of Human Achievement (Austin), Oklahoma Contemporary Arts Center, OVAL/Lingotto Fiere (Torino), Pomona College Art Museum (Claremont), PROXYCO Gallery (Nueva York), Stewart Hall Art Gallery (Québec), The Green Parrot (Barcelona), entre otros. Fue beneficiaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.

A través del video, la fotografía, el performance, la instalación y el dibujo, su práctica indaga las relaciones entre espacio, política y lenguaje, al tiempo que vincula estrechamente los lugares en donde vive y las comunidades con las que interactúa. Benítez es maestra en Bellas Artes por Hunter College y arquitecta por la Universidad de Chile. Su trabajo ha sido expuesto en galerías, museos, bienales, y es parte de varias colecciones institucionales. Entre sus exposiciones individuales destacan Direct Action (Storefront for Art and Architecture, Nueva York, 2023). Riego (Die ecke, Santiago de Chile, 2022), New/Now (New Britain Museum of American Art, CT, 2017-18); de forma colectiva ha participado en In Support (The Kitchen, Nueva York, 2021-22) y Uprisings (Jeu de Paume, París, 2016-17), entre otras muestras. Canta en la sección alto en Reverend Billy & The Stop Shopping Choir, un coro de góspel anticapitalista, performance y acción directa con sede en Nueva York. Radica en Nueva York desde 1998.

Inspirado en la ciencia ficción, la ilustración y la historia natural, su trabajo combina acercamientos a una diversidad de medios como el dibujo, la pintura y la escultura, apoyado en investigaciones sobre mitología, botánica e historias coloniales. Tiene estudios en artes visuales y cursó el Programa Educativo SOMA en la Ciudad de México. Su trabajo ha sido expuesto individual y colectivamente en Argentina, Bélgica, Colombia, Estados Unidos, Francia, Italia, Japón, México y Portugal. Entre sus muestras individuales destacan Offerings to the nocturnal hours (CLEARING Bruselas, 2023), Casa de Sombras (Pequod.Co, Ciudad de México, 2022-23), y Las rodillas del ciprés (Museo de la Ciudad de Querétaro, 2022). Su obra ha formado parte de diferentes exposiciones colectivas, entre las más recientes: Lucha libre Beyond the arenas (Arizona State University Museum, 2022-23), Drawing in the continuous present (The Drawing Center, Nueva York 2022) y Otrxs mundxs (Museo Tamayo, Ciudad de México, 2020). En 2022 publicó su primer libro de dibujos, Buddhist visions of hell, en colaboración con la editorial independiente Chez rosi.

Artista plástico, recibió una maestría en Artes Plásticas de Yale University y una licenciatura en Artes Plásticas de Cooper Union for the Advancement of Scienceand Art. Ha tenido exposiciones individuales en espacios como Public Art Fund (Nueva York, 2023), Fortnight Institute (Nueva York, 2019 y 2022), The Mistake Room (Los Ángeles, 2020), y Maureen Paley (Londres 2018 y 2021). Su obra ha sido mostrada en la 59 Muestra Internacional de Arte de la Bienal de Venecia Milk of Dreams (Venencia, 2022), Prospect. 5: Yesterday We Said Tomorrow (Nueva Orleans, 2021), Desert X (Palm Springs, 2021), entre otras muestras colectivas. Ha recibido distinciones como el Latinx Artist Fellowship (US Latinx Art Forum, 2023), Getty Research Institute Fellowship (2022), NXTHVN Studio Fellowship (2019), Joan Mitchell Painters and Sculptors Grant (2018), entre otras. Su obra se encuentra en las colecciones de Columbus Museum of Art, Los Angeles County Museum of Art, Moderna Museet, North Carolina Museum of Art, San Jose Museum of Art, Wadsworth Atheneum Museum of Art y Whitney Museum of American Art.

Entrepreneur anticapitalista y dibujante. Cursó el Programa Educativo de SOMA. Participó como artista residente de la Rijksakademie van beeldende kunsten, así como del programa interdisciplinario Pressing Matter, ambos en Ámsterdam, Países Bajos. Su trabajo se ha expuesto en México y otros países. Actualmente forma parte del sujete colectivo Tropical Tap Water.

Artista audiovisual, desde 1992 se dedica de tiempo completo a la investigación y producción en cine y video. Su proceso creativo se ha desarrollado esencialmente en el sur geográfico y conceptual del país y el continente: Oaxaca, Chiapas, Yucatán, Guerrero, Bolivia y Ecuador. Estudió Comunicación Social en la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM Xochimilco), pero es autodidacta en los misterios del audiovisual. Su obra ha sido mostrada y reconocida en múltiples foros, muestras y festivales de México y del extranjero, como la X Bienal de La Habana, el Centro de Arte Reina Sofía, Cinemateque Ontario, el Festival Internacional de Cine de Morelia, el Festival Internacional de Cine de Oberhausen, Frieze Projects/LUX Londres, el Getty Research Institute, y el Museo Guggenheim, entre otros. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México (2019) y recibió la distinción Media Artist de la Fundación Rockefeller en 2006. Su más reciente largometraje El Prototipo (2022) recibió el Puma de plata a la mejor película mexicana en el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM, 2023).

Trans apariencia estéreo voodoo, 2024
7 min.

¿En qué momento todo se transformó en cámara, pantalla, micrófono, resonador, amplificador? ¿Dónde terminan los dispositivos para captar el mundo y comienzan los otros instrumentos de percepción? Este es un relato coral compuesto por archivos de una acción medial desde la ensoñación de lo no-humano, y herramientas de registro audiovisual intervenidas azarosamente por picos, garras, tentáculos, tenazas, fauces. Exploraciones furtivas, recuperadas desde otros mundos tangibles, que nos invitan a imaginar un mundo que escape a la pretensión de control y dominación desde la potestad de lo visual.

Su trabajo explora lo cotidiano a través de narrativas fracturadas y elípticas, utilizando herramientas de ficción y documental. Colabora a menudo con el colectivo teatral Lagartijas tiradas al sol y con la actriz Teresita Sánchez. Su obra ha sido objeto de más de 30 retrospectivas en todo el mundo en lugares como Anthology Film Archive, Festival Internacional de Cine de Jeonju, Pacific Film Archive y TIFF Cinematheque. También ha presentado sus películas en algunos de los principales festivales internacionales de cine, como Berlín, Canes, Locarno,  Toronto y Venecia, así como en galerías y museos como el Guggenheim y el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Moderno de París y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. En 2010 fue galardonado con el Premio Orizzonti en el Festival de Cine de Venecia.

Flora, 2020
11 min.

Breve ensayo que utiliza material que no fue empleado en el largometraje Fauna (2020) de Pereda. En este caso, reflexiona sobre el rol de la representación en relación con los opacos entramados del poder y su vínculo directo con la explotación de los bienes naturales.

Trilogía de la propiedad privada, 2019-24
55 min.

Este performance cinematográfico examina la vida y obra de C.B., un artista multifacético, activista político, arqueólogo aficionado, anarquista autoproclamado y creador de un pequeño museo dedicado a la historia de la minería en el desierto de la Sierra de Catorce. Al combinar performance en vivo, proyección de material audiovisual, técnicas de cine documentales y de ficción, se produce un fascinante relato que aduce a las muchas formas en que se puede habitar un territorio. Para Nicolás Pereda, el cine brinda la oportunidad de intervenir y modificar radicalmente la realidad, y esta pieza es prueba de ello.

Creadora, exploradora y defensora de la imagen en movimiento. Su trabajo cinematográfico abarca documentales, animación, instalaciones y actuaciones en vivo. Recientemente completó Pulsos Subterráneos, un proyecto de cine expandido y documental web financiado con el apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Es cofundadora del Laboratorio Experimental de Cine (LEC), fundado en 2013 y dirigido por artistas para construir una comunidad de cineastas y audiencias interesadas en el cine experimental a través de la producción, la capacitación y la proyección de películas. Es colaboradora en programas de capacitación para el Campamento Audiovisual Itinerante y JEQO (escuela de cine de mujeres), donde comparte conocimientos y herramientas relacionadas con la creación audiovisual con jóvenes y comunidades diversas de todo México.

Nanacatepec, 2024
Azucena Losana y Elena Pardo
45 min.

Performance cinematográfico que combina materiales análogos en 8 y 16 mm, e imágenes precine con una pista sonora de música electroacústica. Está inspirado en Nanacatepec, una roca atravesada por una red micelio que se extiende sin forma definida: sus frutos, en forma de hongos, sirven como creadores y transformadores de todo en el mundo.

Su obra abarca cine experimental, instalación y video. Estudió Artes Multimediales en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) en Argentina; cursó el diplomado de Preservación y Restauración Audiovisual, impartido por la Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional de Argentina (CINAIN) y la Universidad de Buenos Aires (UBA), así como el taller Found Footage de Abigail Child y el taller de cine experimental de Claudio Caldini. Ha formado parte de los colectivos Trinchera Ensamble y LEC en México, y Circuito CiN!CO y DNI en Argentina. Su trabajo se ha presentado en el Buenos Aires Festival de Cine Independiente (BAFICI), el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, el Kurzfilmtage en Oberhausen, la (S8) Mostra de Cinema Periférico en La Coruña, y VIDEOEX en Zúrich, entre otros. Vive y trabaja entre Ciudad de México y Buenos Aires.

Nanacatepec, 2024
Azucena Losana y Elena Pardo
45 min.

Performance cinematográfico que combina materiales análogos en 8 y 16 mm, e imágenes precine con una pista sonora de música electroacústica. Está inspirado en Nanacatepec, una roca atravesada por una red micelio que se extiende sin forma definida: sus frutos, en forma de hongos, sirven como creadores y transformadores de todo en el mundo.

Kazá significa “memoria” en el idioma uzá, también conocido como chichimeca jonaz. Es un proyecto colectivo que busca investigar, recuperar y difundir el conocimiento regional para integrarlo en la formación de la niñez a través de talleres y estrategias artísticas. Su centro es fomentar el cuidado afectivo del ecosistema por medio de los sentires y la imaginación. Colaboran con escuelas públicas de educación básica e invitan a personas de la región a compartir saberes situados con la comunidad escolar en torno a temas como ecología, territorio, memoria y diversidad lingüística. Desde 2015 trabaja en distintas localidades de la Sierra Gorda de Guanajuato y a partir de 2019 tienen como sede a la Escuela Primaria Miguel Hidalgo de Misión de Arnedo, municipio de Victoria. La coordinación general del proyecto está a cargo de Amauta García y Daniel Godínez-Nivón.

Kazá memoria de agua, 2021
9 min.

Video que documenta historias acerca del agua en la región de la Sierra Gorda de Guanajuato, y un acto performático realizado para que el líquido vital regrese a humedecer la tierra y las palabras en Misión de Arnedo.

Kazá memoria de cerro, 2021
11 min.

El video hace hincapié en la estrecha relación que guarda el pueblo ézar con el territorio que habitan: una relación plasmada en el idioma y hecha evidente por la relevancia que éste cobra como principal herramienta para percibir y nombrar el mundo.

Artista, activista, hablante de zoque y miembro de esta cultura milenaria. Escribe poesía en zoque y en los últimos años ha producido performances, videos y documentales enfocados en la difícil situación, los derechos y las luchas de su pueblo. El primero de su familia en asistir a la universidad, es egresado de la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas (UNICACH). Forma parte del colectivo artístico EDELO y es frecuente colaborador de la Galería MUY, un centro de arte contemporáneo para arte indígena y artistas de todo Chiapas. Sus pinturas se han expuesto en todo el continente americano, desde Brasil hasta Canadá, y ha sido comisionado para pintar murales en centros de arte y cultura y organizaciones de ayuda a la inmigración en Chiapas, Oaxaca y Tabasco. Divide su tiempo entre San Cristóbal de las Casas y su ciudad natal en la región zoque de Chiapas.

(((((/*\))))) Ecos del volcán, 2019
Charles Fairbanks y Saúl Kak
18 min.

En 1982, la erupción del volcán Chichonal hizo migrar a la comunidad zoque que hasta ese entonces vivía en sus faldas. Filmado a lo largo de seis años, (((((/*\))))) Ecos del volcán registra la atmósfera única del pueblo donde vive actualmente esa comunidad en Chiapas. Es un paseo observacional que deleita a la vista y los oídos, llevándonos por un viaje sonoro al ritmo de la música y los singulares anuncios que emanan de altavoces en las tiendas y las camionetas de vendedores itinerantes que pululan por todo el pueblo. Poco a poco, surgen otros discursos más políticos. A través de esta breve deriva, Charles Fairbanks y Saúl Kak abordan la riqueza cultural de la comunidad, así como la presión neoliberal sobre los pueblos indígenas y sus tierras.

Egresada de Chavón. Escuela de Diseño, donde estudió Bellas Artes y Fotografía, y de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), donde se especializó en cinematografía. Ha trabajado en diversos largometrajes y ha sido parte de exposición fotográficas. Comparte créditos de guión, producción y dirección de largometrajes con su esposo Israel Cárdenas, con quien dirige la productora Aurora Dominicana. Desde 2004 vive entre México y República Dominicana. 

Cochochi, 2007
Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán
87 min.

Evaristo y Luis Antonio, dos niños de la comunidad rarámuri en la Sierra Tarahumara, emprenden un viaje a través de la montaña hasta el otro lado del valle, en busca de un medicamento para un familiar. El trayecto, recóndito y escabroso, tanto como la sierra misma, devendrá iniciático para los niños.

Su obra se inserta en la investigación ensayística literaria y audiovisual; se caracteriza por jugar con la ficción especulativa, el falso documental y la libre experimentación en medios audiovisuales desde un espacio narrativo en el que se permite tanto la reflexión inquisitiva como el humor y el absurdo. Guizar estudió Literatura Italiana Moderna en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y una Maestría en Animación y Efectos Especiales en la Escuela Nacional de Cine de Polonia, en Lodz. Formó parte del Programa Educativo SOMA (2020-22). Sus animaciones han sido presentadas y distinguidas en festivales de cine nacionales e internacionales como Annecy, Festival de Cine de Morelia, Festival de Cortometrajes de Tampere y Festival de Cortometrajes de Uppsala. 

Toothless, 2021
12 min.

Película-ensayo construída con los dibujos de viejos libros de anatomía, algunas imágenes de revistas esotéricas y un montón de bandas sonoras de videos de internet de dominio público. El film cuenta la historia de un viaje existencial: el de una heroína desdentada, en pijama, que es arrastrada desde el inconsciente individual hasta el colectivo.

Artista visual, utiliza el dibujo, la fotografía y la escritura para producir películas animadas e instalaciones interactivas. Cuenta con dos maestrías en Artes Aplicadas por la Universidad de la Sorbona y en Cine de Animación por la Escuela Superior de Artes Decorativas de París. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones y festivales de animación y de videoarte en China, España, Estados Unidos, Francia, Holanda, Iraq, Japón y México, entre otros países. Desde 2018 es director académico de la licenciatura en Animación Cinematográfica de la Escuela Superior de Cine (ESCINE). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Vive y trabaja en México desde 2005.

Amatlán, 2010
4 min.

Pequeñas formas rudimentarias trazadas sobre un cobrizo horizonte, la danza del agua sobre la piedra calentada por el sol. Un espectáculo que provoca a otro: la ilusión del movimiento, gesto que recuerda los recorridos de la evolución. Esta animación fue realizada en Amatlán de Quetzalcóatl (Morelos, México),centro de producción del papel amate en la época prehispánica.

Clinamen, 2021
7 min.

El término clinamen es un antiguo concepto en latín que intentaba dar cuenta de los impredecibles giros, sin razón de ser, en el ordenamiento de los átomos. Aquí, a través del meticuloso ensamblaje que propone Gerbaud, los espasmos fortuitos, serpenteos y movimientos bruscos de la figura humana, dan cuenta de un sentido peculiar entre contorno y entorno. La animación hace énfasis en lo mucho que el paisaje da forma a lo humano: seguimos la trayectoria de una figura casi espectral, un espejismo que recorre el mundo en constante contacto con todo lo que le rodea. Los trazos que va delineando constituyen un mapa de interacciones, a veces jocosas; otras tantas, surrealistas. La silueta del cuerpo humano —la cadencia de sus movimientos, su volumen y peso— cobra sentido a partir de las formas, texturas y colores que componen el mundo a su alrededor. ¿Cuál es en realidad el límite entre el cuerpo y su exterior?

Es actor, director y poeta. Su trabajo es una exploración en torno a la ficción, a través de obras de teatro, textos, películas y producciones radiofónicas. Es maestro en teatro por la Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten (AHK). En 2003 fundó con Luisa Pardo el colectivo Lagartijas tiradas al sol, con el que ha desarrollado proyectos escénicos, publicaciones y procesos pedagógicos. Ha participado en más de 30 largometrajes, recibido numerosos premios y se le han dedicado retrospectivas en el Festival de Cine de Cali, Festival Internacional de Cine de Ginebra, París Cinema y Tolousse. 

Durango, 2023
9 min.

El corto aborda la construcción de la identidad a partir de la fabricación de un héroe para el estado de Durango. Sabemos que de poco sirven las maravillas naturales sin un cuento. Al contrario, lo que necesitan los lugares es un relato, un mito, un héroe que dote de sentido e identidad, un cuento fácil de contar y de repetir. Como bien dicen por ahí: “algo que venda”. Y lo que acaba vendiendo son las historias. Sin embargo, como también sabemos, las historias no tienen la obligación de ser ciertas, si acaso de ser buenas.

Artista multimedia, su enfoque se centra actualmente en las imágenes generadas por IA. A través de su cuenta @sentientmuppetfactory cuestiona la forma en la que se abordan temas como el género, la representación corporal, la conformidad y su subversión a través de la tecnología. Las imágenes producidas por Frey adquieren una inquietante atmósfera acuosa que deambula entre lo absurdo y lo grotesco, a la vez que establece un diálogo entre estas nuevas herramientas y el legado de la historia del arte. Es maestro en Pintura y Dibujo por la Universidad de Concordia y licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Victoria. Vive entre Montreal y la Ciudad de México.

Phthethisms 1, 2, 3, 2021. Floobite, 2022. Gratuitous Orange, 2022. The Shadow Is Over My Is My Friend, 2024.
4 min. 30 seg. 1 min. 3 min.

Serie de videos cortos en los que la artista convierte la imagen del cuerpo en un paisaje quimérico al fusionar la tradición pictórica de la acuarela con efectos visuales propios de las redes sociales. Las “video-acuarelas” componen un mundo de pantomima, un lienzo habitado por singulares divertimentos surrealistas que intervienen la lógica de la selfie, subvirtiendo las expectativas del formato mediante sutiles gestos en rebelión con las normas que pretenden regir la percepción social de lxs cuerpxs, la autoimagen, y los estándares de belleza. De la prolífica obra de Frey, se presentan aquí tres videos que forman parte de la serie Phthethisms, producidos en 2021 en colaboración con Andrea Young, Sarah Albu y Elizabeth Lima, del colectivo vocal quebequés Phth; dos piezas de 2022; así como su más reciente producción, en la que colaboró con Luke Nickel para la música.

Artista multidisciplinaria, su quehacer cinematográfico se enfoca en temas que reflexionan sobre la vida y la muerte, y la relación humana con la naturaleza. Su estilo es un viaje entre colores, texturas y combinación de técnicas visuales que desafían las convenciones de la narrativa con la finalidad de causar sensaciones desconocidas y profundas en la audiencia. Como parte de su formación, se especializó en el estudio de la imagen fija y en movimiento en el Centro de Periodismo José Martí (La Habana, Cuba). Su trabajo se ha presentado en festivales como Animasivo, Kannibal Film Festival, San Diego Underground Film Festival, ULTRAcinema, y en plataformas de distribución como Filmin Latino. Ha sido beneficiaria de los programas Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2020-21), Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, 2019 y 2016) y Programa de Apoyos a las culturas Municipales y Comunitarias (PACMYC, 2014).

Ensayo del futuro, 2020
10 min.

En el futuro la humanidad no existe más. Este relato de ciencia ficción se construye a partir del registro de una especie que se ha extinto y que dejó su historia narrada en tres momentos: su pasado, presente y futuro.

Estudió Arte e Historia de la Ciencia en Stanford, donde formó parte del equipo de lucha greco-romana. Tiene una maestría en Arte y Diseño de la Universidad de Michigan, donde también estudió Antropología e Historia. Sus cortometrajes, incluidos dos sobre la lucha libre mexicana, se han exhibido en Images, POV, CPH:DOX, Slamdance, Visions du Réel y más de 100 festivales alrededor del mundo. Ha trabajado como programador y traductor en Bélgica, y ha enseñado videoarte y videografía en México. Es profesor fundador de Artes Mediáticas en la Antioch College de Ohio. Ha recibido becas de la Fundación Guggenheim, la MacDowell Colony y el Programa de Cine y Video del Wexner Art Center.

(((((/*\))))) Ecos del volcán, 2019
Charles Fairbanks y Saúl Kak
18 min.

En 1982, la erupción del volcán Chichonal hizo migrar a la comunidad zoque que hasta ese entonces vivía en sus faldas. Filmado a lo largo de seis años, (((((/*\))))) Ecos del volcán registra la atmósfera única del pueblo donde vive actualmente esa comunidad en Chiapas. Es un paseo observacional que deleita a la vista y los oídos, llevándonos por un viaje sonoro al ritmo de la música y los singulares anuncios que emanan de altavoces en las tiendas y las camionetas de vendedores itinerantes que pululan por todo el pueblo. Poco a poco, surgen otros discursos más políticos. A través de esta breve deriva, Charles Fairbanks y Saúl Kak abordan la riqueza cultural de la comunidad, así como la presión neoliberal sobre los pueblos indígenas y sus tierras.

Engendro mexicano obsesionado con la paradójica belleza de las narrativas de terror. Después de una larga historia en distintos tentáculos de la industria fílmica y la docencia universitaria, ahora dedica su vida al estudio, la promoción y la exhibición del cine fantástico y de terror. Es licenciado en Bellas Artes por la School of Visual Arts de Nueva York. Fue director de programación de Mórbido Fest (2010-21). Su curaduría México Maleficarum: Resurrecting 20th Century Mexican Horror Cinema se presentó en la Cinématèque Française (París, 2023) y el Academy Museum (Los Ángeles, 2022).  

El testamento de la Momia Mexicana, 2024
90 min.

Esta conferencia performática traza una arqueología mediática del cine de horror hecho en México, guiándonos a través del folklor audiovisual de este género cinematográfico en el que coexisten mitologías, leyendas, imaginación, historia, lo insólito y, por supuesto, la triste y absurda realidad. La experiencia propuesta por Castillo Flores entreteje las dos principales ramas del árbol genealógico de la momia cinematográfica mexicana: la que tiene su origen en los pueblos originarios y que padece de la terrible maldición del (des)amor, y aquella que surgió en las peculiares condiciones del Cementerio de Sta. Paula, en Guanajuato, y que clama por venganza. Al dar a conocer y diseccionar estas historias, la cinta honra a artistas, personajes clave y hechos que dieron origen a los distintos mitos que dotan de vida a las momias del cine mexicano.

Cineasta autodidacta, curso talleres de cine en la New York Film Academy (NYFA) y la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV); comenzó su carrera en producciones de videoclips musicales. En 2006 rodó su primera película como codirector, guionista, fotógrafo, productor y editor, y trabajó como asistente de cámara y cámara de segunda unidad en algunos proyectos. Además de su trabajo como director, ha colaborado en diversos largometrajes como coguionista, director de fotografía y productor junto a su esposa, Laura Amelia Guzmán, con quien dirige la productora Aurora Dominicana.

Cochochi, 2007
Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán
87 min.

Evaristo y Luis Antonio, dos niños de la comunidad rarámuri en la Sierra Tarahumara, emprenden un viaje a través de la montaña hasta el otro lado del valle, en busca de un medicamento para un familiar. El trayecto, recóndito y escabroso, tanto como la sierra misma, devendrá iniciático para los niños.

Cineasta y politóloga, en su obra utiliza los dispositivos del diario, el archivo y la arqueología de los medios para hilar la memoria íntima y social, al tiempo que explora diferentes formatos narrativos. Es egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Cuenta con una trayectoria multifacética que combina el cine, la escritura y la docencia. Desde hace más de 15 años, y en paralelo a su trayectoria artística, es docente y colaboradora en múltiples espacios nacionales y latinoamericanos de formación audiovisual con enfoque de género, comunitario y de pedagogías experimentales. Ha recibido varios reconocimientos, entre los que destacan las becas Ambulante Gucci y la Media Arts Fellowship de la Fundación Rockefeller. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de México. Vive y trabaja en la Ciudad de México.

h’iketeia, 2024
Christiane Burkhard
71 min.

Tempelhof en Berlín, Elliniko en Atenas y el exNAICM en Texcoco son aeropuertos en proceso de desvane/ser, de abandono o en recuperación, suspendidos en el tiempo por la especulación financiera, la reubicación de refugiados o su devenir en “santuarios” humanos y ambientales. En todos ellos, persisten múltiples huellas, vestigios y voces. h’ ι κ ε T ε i α es un ensayo lírico sobre las capas simbólicas y materiales de estas tres geografías, todas vinculadas a la historia personal de la realizadora. Urdimbre audiovisual ​​puntuada por la danza de una Ariadna mitológica, la película pone en perspectiva el quehacer humano con los vastos tiempos geológicos, mientras invoca otras maneras de habitar estas ruinas contemporáneas, resarciendo los vínculos con la tierra y apelando al derecho de refugio.

Su investigación artística se centra en los pliegues entre documento y ficción, archivo familiar y relato nacional, y el montaje del cuerpo y de la vida pública. Cursó el Seminario de Producción fotográfica en el Centro de la Imagen y el programa Fotoensayo del Sistema Nacional de Fototecas. Es colaborador permanente de Visual AIDS NY y miembro fundador de CEPA, red de apoyo y expresión artística para personas viviendo con VIH en Tlaxcala. Su trabajo se ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona), el Museo de Arte Moderno (Cuenca), el Museo de la Ciudad de México, el Museum of Contemporary Art (Los Ángeles) y el New Museum (Nueva York). Recibió el Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México DOCSMX y del Premio Estatal de Artes Visuales de Tlaxcala. Ha sido beneficiario de la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2016), Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMYC 2015), el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, 2013) y el Programa de Fomento y Coinversiones Culturales (FONCA, 2011).

Amiqui / Sequía, 2022
15 min.

Al igual que la herencia del pasado se proyecta en el futuro, esta pieza plantea una proyección doble: sucesión y simultaneidad, la sinergia de una imagen con la siguiente y con la de al lado. El vínculo entre lo previo y lo siguiente. Por un lado, Amiqui —que en lengua náhuatl significa “tener sed”— se centra en el deseo por controlar el agua en el periodo preclásico, cuando la ciudad de Xochitecatl – Cacaxtla se estableció al centro de las lagunas y ríos que permitieron su proliferación cultural. Sequía, la otra mitad de la pieza, se refiere a la época contemporánea. No se puede cambiar la herencia de la erosión del paisaje: cuerpos perdidos como el río Zahuapan, que todavía cruza la ciudad; la cascada de Atlihuetzia, que ahora es un drenaje; la laguna de Acuitlapilco, parada de pelícanos, hoy en desecación. Ahora, anuncia otra resaca en forma de refresqueras y maquilas.

Artista que explora las posibilidades de la gráfica tradicional y matérica, el lenguaje y la poesía. La transformación es una constante en su obra, como una existencia cambiante, vulnerable y ligada irremediablemente al tiempo; por ello, persigue el registro de lo vivo, los sucesos y los afectos desde la identidad, la memoria, lo íntimo y la cuerpa. Guerrero es egresada de la licenciatura en Artes Visuales de la Universidad de Guanajuato. Entre sus exposiciones individuales destacan El drama de lo sucedido en León (Guanajuato, 2023) y Entropía (Museo Iconográfico del Quijote, 2022). Ha sido beneficiaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, 2023-24) y de la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2017-18). Fue instructora del Taller de grabado del Centro Cultural Ignacio Ramírez el Nigromante en San Miguel de Allende e imparte cursos de grabado para el Centro de las Artes de Guanajuato. Actualmente radica y trabaja en San Miguel de Allende, donde gestiona el taller independiente La Mar Gráfica.

Poeta y dibujante. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Guanajuato y una maestría en Estudios Socioculturales en El Colegio de la Frontera Norte/ Universidad Autónoma de Baja California. Ha publicado trece libros de poesía, entre los mas recientes: Los pájaros y su representación gráfica en la obra científica del doctor Alfredo Dugès (Colección Autores de Guanajuato, Editorial La Rana, 2023), Cólera Morbus (Editorial La Rana, 2019), Ojo avizor (recuento) (Universidad de Guanajuato, 2019), Newspaperbirds of March 2011 (Editorial Cinosargo, 2019), entre otros. Su obra ha sido antologada en libros de poesía y revistas nacionales e internacionales. Ha participado en exposiciones y presentaciones literarias, como la XV Muestra de Artistas Guanajuatenses (2024), Lectura de Poesía en Helsinki (Rosebud books, 2024), Festival Los Límites del Lenguaje (Moscú, 2012), y Festival de Poesía Latinoamericana (LATINALE, Berlín, 2006 y 07), entre otros. Actualmente realiza el proyecto interdisciplinario Mil pájaros mil. Tesis autodoctoral, en el que conviven la música, la gráfica y la literatura. Desde 2021 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México.  

Laboratorio de artistas dedicado al desarrollo de proyectos transdisciplinarios. Ha desarrollado talleres y laboratorios de creación para la pedagogía alternativa de las artes del cuerpo y la experimentación somática. Su trabajo ha sido expuesto en España, Estados Unidos y México. Algunas de sus muestras más significativas son Seis motivos (Galerie Nordenhake) y I See You (Savannah College of Art and Design Museum of Art – SCAD MoA) Publicó el álbum musical Cancionero de la sexual disidencia tapatía (en plataformas de transmisión en línea), en colaboración con ROSAS y el productor Ferdinando Capacete. También participó en el intercambio DespertaLab entre Barcelona y México, residencia impulsada por la Nau Ivanow con temporada en Sala Atrium. Arrogante Albino existe gracias al intercambio y las voluntades de varios artistas locales; ha organizado eventos, pasarelas, conciertos, álbumes musicales y encuentros en espacios dedicados a las artes visuales y las artes escénicas.